PINTURA CONTEMPORÁNEA: ARGENTINA

Marino Santa María

Oscar Sánchez Kelly

Paula Sarría Allende

Ana Eckell

Javier Lodeiro

Emilio Pettoruti

Claudio Goldini

Luis Fernández Arroyo

Soraya Racca

Magdalena Rantica

Delfina Bourse

Alfredo Prior

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PINTURA ZEN

ZEN

El Zen tiene su origen en la India, hace unos dos mil quinientos años, en la época de Buda (el Buda Sakyamuni).

El Zen partió del budismo, pero no es ni una filosofía ni una religión. Se basa en el conocimiento de uno mismo. Podríamos decir en el conocimiento esencial de uno mismo, inaugurando un presente disuelto y concentrado a la vez. Igualmente receptivo y creativo, llevando a la plenitud al individuo y potenciando sus capacidades.

El Zen no representa sólo una forma de vida placentera o de cierta quietud donde lo caótico del mundo y las situaciones conflictivas desaparecen por los modelos zen u otros similares, sino que representa un elemento de visión y fuerza que nos lleva a afrontar las situaciones desde uno mismo.



EL Zen y la pintura creativa

Vinculado al arte, nos hace reconocer los principios esenciales y fluir de una manera sencilla, así como llevar el alma a nuestras creaciones, a nuestras pinturas, es decir dotarlas de vida y vibración, sin partir obligatoriamente de técnicas impuestas, sino más bien descubriendo los modos de expresarnos. Desde este punto de vista la técnica no es otra cosa que sensibilidad despierta, una capacidad de investigar con los recursos artísticos naturales, los colores, las formas y vibraciones, los paisajes internos. Ver, sentir, implicarse en el proceso, dejando que se desvele, olvidándonos de la imitación o la producción que no venga de la satisfacción y paradójicamente anunciando un camino más imaginativo y personal para el individuo.


El Zen en la Pintura Creativa nos conecta a la corriente artística y a la imaginación, manteniendo el vínculo natural con nosotros mismos (meditación activa) a la hora de crear. Supone adentrarse en el ahora y tener una visión de la creación que contempla las energías universales: receptiva y creativa.

La pintura zen profundiza específicamente en el (Chi) o flujo de energía, y en la esencia que permite la creación artística sin esfuerzo y libremente, sin ideas preconcebidas, a partir de la actitud receptiva y del contacto genuino con uno mismo.

Se estimula la sensibilidad artística, los impulsos originales y la imaginación.


Pintura creativa nos sugiere la idea de libertad creadora, donde las ideas o dogmatismos de cómo debe pintarse quedan fuera y donde existe un gran espacio personal. El zen, nos invita a descubrir la pintura mediante el reconocimiento de lo que se mueve en nosotros y de nuestras energías, de nuestra escucha, sensibilidad e imaginación. No resta creatividad, sino que la estimula desde los propios impulsos, necesidades y potenciales del individuo. El poder formar una unidad con nuestro cuerpo, nuestra mente y nuestro espíritu, para así formar unidad con nuestra inspiración a la hora de crear.

Fuente: arteduna.com

JUAN CARLOS ÑAÑAQUE TORRES

Artista plástico nacido en Chiclayo, Lambayeque, Perú, en 1971. Realizó sus primeros estudios en el taller de pintura y dibujo "José Sabogal" de Chiclayo. Egresado de la Escuela Superior de Arte “Ignacio Merino” de Piura- Perù con el Primer Puesto Promoción “Fernando de Szyszlo” 1994.
Ha reforzado sus estudios artísticos en el Taller de Grabado Museo Nacional del Grabado en Buenos Aires, Argentina 2000- 2001.


DISTINCIONES Y PREMIOS

2008 Premiación a los Mejores del 2007 Chiclayo

2004 Condecoración DIPLOMA DE LA CULTURA, por contribuir con el desarrollo cultural de la Región Lambayeque, I.N.C. Lambayeque.

2003 Segundo Puesto Concurso Pasaporte para un Artista Alianza Francesa Chiclayo .

2002 Condecoración HONOR A LA CULTURA Otorgada por el Instituto Nacional de Cultura Piura.

2002 Seleccionado Galería de Arte Internacional del Consejo de Cooperación Económica del Pacífico – PECC – de la Ciudad de Singapur.

Argentina:
2001 Mención Pintura Centro Cultural Yukio Mishima- Buenos Aires.
Segunda Mención Pintura VII Salón Nacional "Nueva Figuración 2001" Galería de las Naciones Arte Internacional - Buenos Aires.

2001 Primer Premio II SALÓN NACIONAL ALIANZA FRANCESA
Buenos Aires.

2001 Segundo Premio Salón de Premiados, Pintura Figurativa, Galería Núcleo de Arte Buenos Aires.

2000 Cuarta Mención Pintura Figurativa Salón de Pequeño Formato Galería Núcleo de Arte Buenos Aires .



Ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas en Perú y el extranjero. Actualmente radica en Lima, Perú.

Colecciones Privadas en Perú, Chile, Argentina, Inglaterra, Italia, España, Singapur EE.UU. Rumania, Finlandia, Alemania, Canadá,etc.


Algunas obras:

Fuente: artevalde

PSICOLOGÍA DEL COLOR

1. El blanco: (Ausencia de color)

Como el negro, se hallan en los extremos de la gama de los grises. Tienen un valor límite, frecuentemente extremos de brillo y de saturación, y también un valor neutro (ausencia de color). También es un valor latente capaz, de potenciar los otros colores vecinos. El blanco puede expresar paz, soleado, feliz, activo, puro e inocente; crea una  impresión luminosa de vacío positivo y de infinito. El blanco es el fondo universal de la comunicación gráfica.


2. El negro: (Mezcla de todos los colores)

Es el símbolo del silencio, del misterio y. en ocasiones, puede significar impuro y maligno. Confiere nobleza y elegancia, sobre todo cuando es brillante.


3. El gris: (Frío)

Es el centro de todo, pero es un centro neutro y pasivo, que simboliza la indecisión y la ausencia de energía, expresa duda y melancolía.
Simbólicamente, el blanco y el negro, con sus gradaciones de gris, son del color de la lógica y de lo esencial: la forma. Por otra parte, el blanco y el negro junto con el oro y plata, son los colores del prestigio.


4. El amarillo: (Cálido)

Es el color más luminoso, más cálido, ardiente y expansivo. Es el color del sol, de la luz y del oro y como tal es violento, intenso y agudo. Suelen interpretarse como animados, joviales, excitantes, afectivos e impulsivos. Está también relacionado con la naturaleza.


5. El naranja: (Cálido)

Más que el rojo, posee una fuerza activa, radiante y expansiva. Tiene un carácter acogedor, cálido, estimulante y una cualidad dinámica muy positiva y energética.


6. El rojo: (Cálido)

Significa la vitalidad, es el color de la sangre, de la pasión, de la fuerza bruta y del fuego. Color fundamental, ligado al principio de la vida, expresa la sensualidad, la virilidad, la energía; es exultante y agresivo. El rojo es el símbolo de la pasión ardiente y desbordada, de la sexualidad y el erotismo. En general los rojos suelen ser percibidos como osados, sociables, excitantes, potentes y protectores. Este color puede significar cólera y agresividad. Asimismo se puede relacionar con la guerra, la sangre, la pasión, el amor, el peligro, la fuerza, la energía. Estamos hablando de un color cálido, asociado con el sol, el calor, de tal manera que es posible sentirse más acalorado en un ambiente pintado de rojo, aunque objetivamente la temperatura no haya variado.


7. El azul: (Frio)

Es el símbolo de la profundidad. Inmaterial y frío, suscita una predisposición favorable. La sensación de placidez que provoca el azul es distinta de la calma o reposo terrestres, propios del verde. Es un color reservado y entra dentro de los colores fríos. Expresa armonía, amistad, fidelidad, serenidad, sosiego y posee la virtud de crear la ilusión óptica de retroceder. Este color se asocia con el cielo, el mar y el aire. El azul claro puede sugerir optimismo. Cuanto más se clarifica más pierde atracción y se vuelve indiferente y vacío. Cuanto más se oscurece más atrae hacia el infinito.


8. El violeta: (Frío)
(mezcla del rojo y el azul) es el color de la templanza, de la lucidez y de la reflexión. Es místico, melancólico y podría representar también la introversión. Cuando el violeta deriva el lila o morado, se aplana y pierde su potencial de concentración positiva. Cuando tiende al púrpura proyecta una sensación de majestad.


9. El verde: (Neutro)

Es el color más tranquilo y sedante. Evoca la vegetación, el frescor y la naturaleza. Es el color de la calma indiferente: no transmite alegría, tristeza o pasión. Cuando algo reverdece suscita la esperanza de una vida renovada. El verde que tiende al amarillo, cobra fuerza activa y soleada; si en él predomina el azul resulta más sobrio y sofisticado.


10. El marrón: (Cálido)

Es un color masculino, severo, confortable. Es evocador del ambiente otoñal y da la impresión de gravedad y equilibrio. Es el color realista, tal vez, porque es el color de la tierra que pisamos.


Cada dimensión del color está relacionada con una reacción diferente. Por ejemplo, cuanto más se satura un color, mayor es la impresión de que el objeto se está moviendo. Cuanto más brillante es el color, mayor es la impresión de que el objeto está mas cerca de lo que en realidad está. Las tonalidades de la parte alta del espectro (rojos, anaranjados, amarillos) suelen ser percibidas como más enérgicas y extrovertidas, mientras que las de las partes bajas (verdes, azules, púrpuras) suelen parecer más tranquilas e introvertidas. Los verdes y los azules se perciben calmados, relajados y tranquilizantes. A la vez los rojos, naranjas, y amarillos son percibidos como colores cálidos, mientras que los azules, verdes y violetas son considerados colores fríos. Las diferentes tonalidades también producen diferentes impresiones de distancia: un objeto azul o verde parece más lejano que un rojo, naranja o marrón.

PINTURA COLORISTA - PINTURA VALORISTA

A partir del nacimiento del movimiento Impresionista, con sus cuadros llenos de luz y de color, los pintores comenzaron a clasificarse según dos tendencias pictoricas claramente diferenciadas:
Los pintores que se adherian a la “pintura colorista” y aquellos que preferian la “pintura valorista”.

Los pintores “coloristas” explican las formas de los cuerpos y sus volumenes usando el color, sin necesidad del tratamiento de luces–sombras. De esta manera, ellos priorizan el color antes que el dibujo.

 

Por otro lado, los pintores “valoristas” tienen un manejo exhaustivo de las luces y sombras y se complacen en representar los volumenes de los objetos a la perfeccion .

Para saber si una obra es colorista o valorista basta con sacarles una fotocopia, o sea llevarlas a blanco y negro.

La pintura valorista mantendrá intacta su escala de valores...
Sus luces, sus sombras, sus medios tonos...
Lucirá perfectamente comprensible.
En cambio, una obra colorista llevada a blanco y negro, corre el riesgo de quedar completamente deslucida
(y hasta incomprensible) ya que todo su sentido está basado en el uso en el color.

 

 

 

 

 

 

 

 

Fuente: mundoforo.com

PINTURA CONTEMPORÁNEA: URUGUAY

Jorge Carcavallo

Rosario Baró

Raul Javiel

Zully del Pino

Cristina Lena

Graciela Danese

Adolfo Sayago

Hugo Sartore

Manuel Larravide

Rosario de Mattos

Federico Brandt

Alicia Anselmi

FRANCISCO MAURICIO ORTIZ

Nació en Sullana, Piura, Perú en 1949. Estudia pintura en la Escuela Regional de Bellas Artes de Piura. En 1983 fue premiado por la Municipalidad de Sullana con su obra “Un grito en la quebrada”. Muchas de sus pinturas engalanan las carátulas de obras literarias de la región. Ha participado en numerosas exposiciones personales y colectivas a nivel regional y nacional. En la actualidad radica en Piura.


 Premiado en los Juegos Florales Instituto Nacional de Cultura. 1982 – Piura. Mención en el Primer Salón de Pintura Contemporánea de Integración Latinoamericana. 1991.

Primer Salón de Pintura Contemporánea de Integración Latinoamericana 1991,
Segundo Salón de Pintura Contemporánea de Integración Latinoamericana 1992 – Loja y Cuenca - Ecuador,
Noche de Arte 92 “Encuentro de dos Mundos” Embajada de EE. UU. 1992 – Lima,
Pintura Piurana Embajada de Guatemala 1994 – Lima,
Salón Nacional de Artes Plásticas Asociación Peruana de Artistas Plásticos 1994,
“Arte de Hoy por los Hombres del Mañana” Museo de la Nación 1996 – Lima,
Exposición “Stella Maris” Lima 1995 – 1996 – 1997 – 1998 – 1999,
“El Perú a través de sus Pintores” Museo de la Nación 1997,
Exposición Nor Oriental 2000 – Chiclayo,
Memoria y Herencia – Arte Actual Nor Peruano Madrid 2000 (Museo Municipal López Villaseñor), “Raíces Invisibles” Arte Actual Peruano Galería RUAS Laredo 2000 – 2001,
Formas Múltiples Arte Contemporáneo América del Sur – Galería Toledo 2001,
Espacios Significantes Arte Iberoamericano Contemporáneo – Fundación Díaz Caneja Palencia 2001, “Raíces Invisibles” Arte Nor Peruano Piura 2002.
Exposición Xmo. Aniversario Asociación de Artistas Plásticos Piura Tumbes, Piura 2002, entre otras.

ARTE CONCEPTUAL

El arte conceptual se desarrolló a finales de la década de los sesenta e inicios de los ochenta del siglo XX. Los orígenes se encuentran en la obra de Marcel Duchamp, artista de origen francés que ya afirmaba que el concepto era más importante que el objeto artístico.



La característica principal de esta corriente es el predominio de los elementos conceptuales sobre los puramente formales. Así pues, el arte conceptual es una forma de expresión que intenta evitar el estímulo óptico a favor de los procesos intelectuales que el público es invitado a compartir con el artista. Para ello, esta disciplina artística se fija en los ambientes cromáticos, en los luminosos, y en las variaciones sobre la naturaleza.
Los artistas del arte conceptual se valen de métodos inusuales y diversos para presentar la idea de su obra. Eligen fotografías, vídeos, documentales escritos, grabaciones, presentaciones de actos en público… y muchos otros materiales efímeros que les sirven para documentar sus ideas o explicar eventos que ocurren fuera de los museos.


El arte conceptual como síntesis de las ideas y reflejos artísticos derivados de todos estos movimientos, indefinible en su estilo, material o forma, tiene que ver sobre todo con ideas y significados. Sus productores y defensores dicen que se trata de un arte vivo que se alimenta de los hechos y acontecimientos sociales, de un arte activo que obliga a participar y a opinar, de un arte que no deja a nadie impasible.


A finales de la década de 1980, el arte conceptual experimenta un fuerte resurgimiento, justo cuando la atención del mundo del arte de vanguardia se orienta hacia la obra basada en el tema y el contenido. No obstante, por su carácter efímero, el arte conceptual dejó pocas obras en los museos. Sólo quedaron las fotografías y las declaraciones impresas (libros, catálogos y folletos) sobre los proyectos.


Entre los géneros que comprenden a este tipo de arte, se encuentran el performance, la instalación y la intervención del espacio.

El arte emífero puede ser pictórico o de composición, los materiales y las técnicas son poco convencionales y los temas, son conceptuales.

El performance tiene como base la acción, que bien puede referirse a prácticas y acontecimientos como la danza, las tradiciones del teatro, rituales, protestas políticas, funerales, todo aquello que pueda ser interpretado mediante la acción efímera.

Ejemplos de pintura conceptual

Paul Klee

Nyein Chan Su

Arturo Morín

 

Fuente: artelista.com

TÉCNICAS DE PINTURA - LA TÉMPERA

La témpera es un medio para pintar semejante a la acuarela. También se la conoce como gouache.
Para otorgarle su carácter opaco se le agrega blanco de cinc o talco industrial, lo cual permite que se apliquen capas de color claro, sobre capas de color oscuro, lo cual no ocurre con la acuarela que es transparente.
La témpera es adecuada para dibujos, efectos de trazo seco, empastes de colores.
Su aglutinante es la goma arábiga, aunque las témperas modernas pueden emplear aglutinantes plásticos.
Los artistas del siglo XVIII empleaban técnica mixta de acuarela con gouache, para lograr zonas de mayor solidez y potenciar los colores.

Características de la pintura con témpera:

Es una técnica de gran poder cubriente debido a su opacidad. Se diluye en agua y posee colores espesos.
Para su aplicación se emplean soportes y pinceles semejantes a los que se utilizan para aplicar la acuarela. Aunque también se utilizan algunos pinceles de pelo de cerda, que son más fuertes que los usuales de pelo de buey. La témpera admite sin problemas pinceles sintéticos.
Para dar brillo a la pintura con témpera pueden emplearse barnices al agua.
Este medio es idóneo para la pintura de paisajes, retratos, bodegones, y admite todos los estilos por su parecido con el acrílico y el óleo.
Una precaución que debemos tomar al pintar con témperas, es la de pintar en capas crecientes, o sea, la capa inferior debe ser más aguada que la que le sigue y cada una debe ser más espesa que la anterior. Esto se debe a que este medio se diluye muy fácilmente con el agua. Si superpusiéramos dos capas aguadas, se fusionarían ambas en lugar de superponerse.
A pesar de las desventajas, el resultado de la pintura con témpera es de similar calidad al que obtendríamos pintando con pintura acrílica.
Para proteger el soporte (papel o cartón) contra la humedad, es necesario enmarcarlas con vidrio.
Las témperas se presentan comercialmente bajo varias formas: frascos de cristal, de plástico, tubos, pastillas. La más conveniente es la presentación en frasco, por su facilidad de uso, pero las de tubo son mejores para guardarse.

Algunas técnicas para pintar con témpera:

Veladura:
se pinta una capa de color y se deja secar. Se cubre con una capa de otro color no demasiado diluido (puede cubrir sólo una parte del color anterior). Deben verse ambos tonos, uno sobre otro.
Superposición: es semejante a la veladura, pero las capas deben ser espesas para que la superior cubra a la inferior sin dejar que se vea.

Degradado:
se pinta la mitad de la superficie deseada de un color, empleando la pintura espesa, luego se añade agua de a poco para aclarar el tono y se sigue pintando hasta completar la superficie o figura.

Salpicado:
esta es una técnica semejante al puntillismo. Empleando un cepillo dental. Se impregna con un poco de pintura diluida en agua y se frota con el dedo, de forma de producir salpicaduras sobre el papel u otro soporte.

Para utilizar la témpera es más efectivo pintar en varias capas para evitar las resquebrajaduras que tendrían lugar en caso de hacer un empaste con la pintura. También se puede utilizar una imprimación como base, lo cual evitaría las resquebrajaduras.
Para lograr efectos más emotivos, se puede aplicar la témpera con espátula, tal cual sale del pomo.

- Antes de pintar una superficie es conveniente saber que los colores, al secarse, tienden a aclararse, por lo que interesa tener preparada toda la pintura necesaria, ya que obtener posteriormente un tono igual a la mezcla anterior es prácticamente imposible.
- La tempera se pinta espesa y para aclarar el tono de los colores se usa el blanco. Al pintar con tempera , se debe añadir siempre el color más oscuro al final, porque es más fácil oscurecer un color que aclararlo, y de esta manera se evita desperdiciar pintura.
- Para pintar una superficie amplia co"tempera" el color se debe extender por franjas y siempre en el mismo sentido.
- Cuando se desea rectificar un fragmento se debe esperar a que esté seco y entonces repintar aplicando las pinceladas en sentido inverso al inicial.

fuente: quepintura.com