LA PERSPECTIVA

La perspectiva se define como el arte de representar los objetos en la forma y la disposición con que se aparecen a la vista. También, como el conjunto de objetos que se visualizan desde el punto de vista del espectador.

Mediante esta técnica, los artistas proyectan la ilusión de un mundo tridimensional en una superficie de dos dimensiones. La perspectiva nos ayuda a crear una sensación de profundidad, de espacio que retrocede.

Las técnicas fundamentales utilizadas para obtener perspectivas son: controlar la variación entre los tamaños de los sujetos u objetos representados, superponiendo algunos de ellos, y colocando los que están pintados en el terreno que se representa, más abajo cuando están más cerca y más altos cuando están más lejos.

La perspectiva, entonces, es un sistema que permite representar tres dimensiones sobre una superficie plana de dos dimensiones; por lo tanto, es una simulación de lo visible de la naturaleza que  permite figurar el efecto volumétrico de los objetos, colocados éstos, a su vez, en un ambiente de falsa profundidad.

El ojo estima la distancia en base a la disminución de tamaño de los objetos y al ángulo de convergencia de las líneas (perspectiva lineal). Del objetivo y de la distancia dependerá el que la imagen tenga más o menos profundidad. La sensación de profundidad es puramente ilusoria, pero forma parte una técnica de composición muy importante.

La perspectiva se define como el arte de representar los objetos en la forma y la disposición con que se aparecen a la vista. También, como el conjunto de objetos que se visualizan desde el punto de vista del espectador.

Mediante esta técnica, los artistas proyectan la ilusión de un mundo tridimensional en una superficie de dos dimensiones. La perspectiva nos ayuda a crear una sensación de profundidad, de espacio que retrocede.

Las técnicas fundamentales utilizadas para obtener perspectivas son: controlar la variación entre los tamaños de los sujetos u objetos representados, superponiendo algunos de ellos, y colocando los que están pintados en el terreno que se representa, más abajo cuando están más cerca y más altos cuando están más lejos.

La perspectiva, entonces, es un sistema que permite representar tres dimensiones sobre una superficie plana de dos dimensiones; por lo tanto, es una simulación de lo visible de la naturaleza que  permite figurar el efecto volumétrico de los objetos, colocados éstos, a su vez, en un ambiente de falsa profundidad.

El ojo estima la distancia en base a la disminución de tamaño de los objetos y al ángulo de convergencia de las líneas (perspectiva lineal). Del objetivo y de la distancia dependerá el que la imagen tenga más o menos profundidad. La sensación de profundidad es puramente ilusoria, pero forma parte una técnica de composición muy importante.

                                           Camino con árboles en perspectiva

Fuente: profesorenlinea.cl

CUIDADO DE LOS PINCELES

Uno de los instrumentos para crear grandes obras de arte aparte de tu imaginación, son los pinceles, este elemento básico es tan importante como el mismo lienzo, deberemos tener mucho cuidado al limpiarlos para mantenerlos en óptimas condiciones y es importantes conocer que tipo de pincel y de que material deberán estar hecho para darle el efecto que necesitamos en nuestra pintura.

Limpieza y Mantenimiento de los Pinceles de Pelo Natural

Es fundamental mantener humedo el pincel, con el medio correspondiente a la tecnica utilizada, para evitar que la pintura seque y arruine completamente el haz de pelo. Mientras se trabaja evitar dejarlos con la punta hacia abajo para no deformar la punta.

Lavarlos inmediatamente despues de haber terminado el trabajo.

Para lavar pinceles utilizados con oleo, remover la mayor cantidad de pigmento con un pedazo de tela o papel absorbente, presionando desde la virola hasta la punta del pelo. 
Después, utilizar el disolvente: esencia de trementina o aguarrás en el caso de óleo.
Lavar con jabon neutro y agua tibia hasta eliminar todo rastro de pintura.
Aclararlos con agua limpia y sacudirlos.
IMPORTANTE: Luego del lavado vuelva a formar con los dedos la punta para mantener la forma del pincel. Dejar secar horizontalmente o bien, colocarlos en un recipiente con los pelos hacia arriba, no utilizar secador de pelo ya que dañará las fibras. Una vez secos, guardarlos en el portapinceles.


Recomendaciones
* No es recomendable usar alternativamente un pincel para acuarela y luego para acrilico u oleo ya que el pelo se deteriorara rapidamente.
* No deje los pinceles sumergidos en disolvente por mucho tiempo ya que con el tiempo el mango se deteriorara y se deformara la punta.
* Antes de guardar los pinceles compruebe que el pelo este seco.
* Si conoce de antemano que va a emplear los pinceles al día siguiente o en unas horas, si hace una parada para descansar, es recomendable que guarde los pinceles, incluso sin limpiar, en una bolsa de plástico y la cierre bien, pera evitar que el aire reseque la pintura.

Fuente: manualidadesybellasartes.com

TIPS O CONSEJOS PARA PINTAR AL ÓLEO

1:
Es preferible antes de dibujar en el lienzo dibujar en un papel, una vez listo el dibujo lo puede pasar al lienzo asi se evita las correciones que pueden ensuciar el lienzo.

2:
La proporcion de disolvente ( aceite o trementina) debería ir aumentando subsecuentmente capa tras capa, porque las primeras capas adsorben aceite de las capas superiores y si las capas superiores secan más rápido que las inferiores entonces la pintura se craquela.

3:
Tratar de evitar el uso de aceite de linaza cuando se pinte colores claros como blanco y celeste por que el aceite tine tendencia a amarillear los colores, oleo puro ( sin disolvente) es lo recomendado para los colores claros.

4:
Para crear la ilusion de distancia en tus pinturas pinta los colores mas lejanos con colores menos intensos y tonos frios, los objetos mas cercanos con colores mas calidos y mas intensos.

5:
Cuando tú empiezas una pintura al oleo puede tomar un tiempo hasta esperar el secado de la primera capa, podrias empezar la pintura con acrilico, que seca mas rapido y te puede ahorrar tiempo y una vez seco el acrilico la pintura al oleo puede ser aplicada.

6:
Dibujar algo con las proporciones correctas. Proporción, es simplemente el tamaño de un objeto en relación con otros objetos a su alrededor. La forma más fácil de conseguir una buena proporcion es aprender a medir. Algunos artistas sostienen un lápiz o su pincel, asi pueden manejar y estimar la distancia de esa manera, mientras que otros utilizan visores con marcas en los lados.

7:
Si el oleo con el que estas trabajando tien mucho aceite, puedes echar oleo sobre papel periodico, cuando este absorba el aceite puedes poner el oleo en tu paleta.

8:
Los colores cambian según el fondo sobre el que se está pintado. El color naranja es distinto en un fondo blanco que en uno azul. Una pincelada amarilla sobre un fondo rojo es otra que en uno blanco. Azul sobre amarillo naranja da un tinte mucho más calido que azul sobre blanco pudes probar en partes de un lienzo aplicando colores calidos y frios como base y despues aplicando los colores opuestos.

9:
Es preferible mezclar el color en cantidad reducida de tal manera que conforme se va pintando, se obtienen pequeñas variaciones en los tonos de los colores deseados.

10:
El óleo es un material excelente para aplicar capas transparentes de pintura , tambien llamadas veladuras. El efecto es totalmente diferente del que se obtendría mezclando los dos colores. La luz que atraviesa la capa transparente y se refleja en el color opaco que hay debajo produce una profundidad y luminosidad especial.

11:
Se debe tener en cuenta que las luces y las sombras se diferencian por su tono calido o frio , si las luces son calidas entonces las sombras son frias y viceversa.

12:Tome un circulo cromático estándar, ahora vea el color del objeto en su pintura del que usted desea crear una sombra. Encuentra el color más cercano a él en el circulo cromatico, ahora, busca directamente a través del circulo cromatico el color "complementario" del color que usted está usando.
Mezclar este color complementario que encontro con el color del objeto. Usted notará que aparece un valor ligeramente más oscuro de su color . Puede ajustar el valor al añadir más complementario.
Toma un poco de práctica, pero no es difícil. Puede mezclarlo en la paleta, o incluso directo en el lienzo y ajustar el color.

13:
Es preferible empezar a pintar una figura en medios tonos para posteriormente aplicar las sombras y las luces al mismo tiempo para definir la forma y el volumen de la figura.

14:
Un aspecto importante de la pintura al oleo es aprender a controlar tus pinceles, sin buen control de los pinceles y tecnica, la efectividad como pintor quedara limitada.

15:
Cuando tu pintura este terminada espera unas dos semanas y retorna a ella para volver aplicar luces, ya que en la pintura al oleo las luces necesitan mas capas que el resto de los colores.

16:
Prueba mirando tu pintura a travez de un espejo te aseguro que descubriras detalles y errores que posiblemente no los has visto a simple vista. Usa esta tecnica cuando tengas el dibujo terminado, antes de aplicar oleo.

17:
Si cometes un error pintando y la pintura esta fresca no intentes cubrir con mas oleo el error, es preferible retirar el oleo de esa zona con una espatula, y volver a pintar encima.

18:
Una manera de trabajar el color piel, es empezar a pintar el cuerpo con un tono verde agrisado dandole volumen , cuando este terminado y seco se aplica color piel en veladuras para lograr una piel transparente.

19:
Si vas a pintar al aire libre seria conveniente que adelantaras la obra con un color general dependiendo si vas a pintar una escena marina o un paisaje, pinta el lienzo con el color predominante, si es una marina podria ser celeste , si es un paisaje podria ser verde.

20:
Si estas tratando de hacer una pintura hiperrealista , vas a necesitar una gran variedad de tamaños y tipos de pinceles que hay en el mercado. Es imposible pintar cada aspecto de una pintura hiperrealista sin el pincel exacto necesario para el trabajo.

21:
Para aclarar el tono de la piel de una pintura sin volver a empastar, aplica una veladura de color blanco, espera que seque bien por lo menos dos semanas, y vuelve a aplicar las sombras y las luces solo con veladuras , al final veras la piel quedará mas clara.

22:
Si prefieres conseguir colores sin mezclarlos en la paleta, los puedes conseguir con veladuras( capas transparntes de oleo), por ejemplo sobre un fondo azul le aplicas rojo y conseguiras un violeta, puedes variar el tono de violeta aplicando mas veladuras de rojo,porsupuesto que debes tener paciencia con esta tecnica ya que cada capa debe estar totalmente seca para aplicar la proxima.

Veladuras

Fuente: castanelaoilpaintings.com

CÓMO PINTAR UNA MARINA AL ÓLEO

Dibujamos el horizonte con carboncillo, muy suavemente.

Una vez marcado, se borra con un trapo que no tenga pelusas.


Mezcla de colores

En la paleta colocamos los tres colores primarios: rojo, azul y amarillo, y, además, el blanco. Con estos obtendremos todos los colores.

Comenzamos por el color del cielo. Para esto mezclamos blanco y un poco de azul (ultramar) y blanco y un poco de rojo.


Pintamos el fondo del cielo.

 En este caso se usa el pincel de forma plana, para cubrir una zona más amplia.

A las zonas en las que se vayan a situar las nubes se añade una mayor cantidad de blanco.


                               

Vamos oscureciendo la base del cielo con el horizonte, añadiendo más azul a la mezcla.

Aquí se puede ver como va cambiando la pincelada al dar movimientos circulares para formar las nubes.

Se va añadiendo al horizonte un poco de rojo.


La mezcla de colores para el cielo

Se trabaja con el blanco y pequeñas cantidades de rojo y azul, ya que estos tiñen mucho.

Se coloca un pequeño horizonte, más oscuro, sobre el trazo de carboncillo, añadiendo más azul y más rojo.

Para variar la pincelada, y estrechar el trazo, se gira el pincel (o cambiar a otro más pequeño).


Las luces y sombras

Para resaltar las luces y las sombras en las nubes, la parte superior se aclara con un poco de blanco.


                                


La pintura del mar

Para ello pintamos una línea que nos servirá de horizonte, debajo de la que ya tenemos.

Hemos hecho otra mezcla de color para el mar, con un tono azul bastante más fuerte que el cielo, mezclando menos cantidad de blanco y sin rojo.

El mar se pinta de atrás hacia delante, con pinceladas largas, que se van acortando a medida que vamos hacia delante.

Con el color hacemos lo mismo, se va aclarando a medida que nos acercamos.

Con esto conseguimos, tanto en el trazo como en el color, ir dando profundidad al cuadro.

En la paleta se mezclan ahora el rojo y el amarillo.

Cambiamos de postura el pincel para variar el trazo, haciéndolo corto y más fino, para conseguir el movimiento del oleaje.


                               

Vamos finalizando el mar, cubriendo el lienzo por completo.


Marcar el Horizonte

Teniendo marcado el horizonte, vamos a difuminarlo con el cielo.

Para esto utilizamos el pincel, sin pintura alguna, mezclando suavemente cielo y mar para “perder” la línea del horizonte.

Al hacer esto se obtiene como resultado profundidad y lejanía.


La sensación de movimiento

Vamos a dar sensación de movimiento: el oleaje.

Para esto utilizamos los colores blanco y azul sin mezclarlos, directamente sobre el mar.

Los trazos han de ser como se indicaba anteriormente. Cuanto más cercanos más pequeños y finos.


El Color: sombras y luces

Jugamos ahora con el color.

Igual que se indicaba con las nubes sobre las sombras y las luces, se hace ahora con el oleaje.

El blanco arriba, haciendo espuma y el azul abajo haciendo la sombra de la ola.


                               

Este es el resultado buscado: sombras y luces tanto en el cielo como en el mar, para evitar un cuadro plano y realzar las formas.

Contraponer claros y oscuros aporta volumen e idea de movimiento.

Fuente: aulafacil.com

ÚTILES DEL PINTOR: PALETA Y ESPÁTULA

La paleta

La paleta es toda superficie sobre la que se depositan y mezclan los colores del óleo que luego se aplicaran al cuadro.
En la Antigüedad los pintores hacían uso de conchas o tazas, donde se ponían los colores ya mezclados. Luego se adoptó una pequeña paleta de madera, con un pequeño agujero para introducir el dedo pulgar. En un principio, su fondo parduzco se adecuaba a la preparación de los lienzos , pero posteriormente, siendo la mayoría de las preparaciones de color blanco, se cambió su color por otro de tonalidades claras y luminosas.

Las formas y tamaños de las paletas han ido evolucionando a lo largo del tiempo desde las pequeñas paletas del tamaño de la mano, que pueden verse en los cuadros y miniaturas de los siglo XV y XVI, hasta las impresionantes paletas de brazo dotadas de un contrapeso, adecuadas para los impresionistas que trabajaban al aire libre. Sobre una de estas paletas, que tenían unas dimensiones aproximadas de 50 x 75 cm., se podía extender una gran cantidad de óleos, los que el pintor necesita cuando desea pintar sin necesidad de estar todo el tiempo abriendo y cerrando tubos.

En general, las paletas utilizadas para la pintura al óleo son de nogal o manzano.  En la actualidad son muy comunes las de material plástico o acrílico blancas. Hay también paletas de vidrio o de porcelana, que tienen como cualidad su fácil limpieza rascando con una cuchilla. Las paletas de usar y tirar son cuadernos de papel encerado de forma ovalada o cuadrada, como una paleta tradicional, con orificio para el pulgar, pudiendo trasladarse fácilmente los grumos de pintura sin usar a otra hoja.

Hoy en día, el papel de la paleta en la preparación de las pastas y en la búsqueda de tonos se ha restringido. Las paletas pueden ser portátiles o estables.

La paleta ha de ser lavada cuidadosamente después de cada sesión de trabajo, recurriendo al aguarrás y raspándola si es necesario.






La espátula

Es un instrumento de metal a modo de pequeña pala aplanada, semirrígida o flexible, y de mango recto que los pintores utilizan con distintos fines: para manipular los colores en la paleta, como rasqueta (para quitar las impurezas de la tela o descargarla de color), para alisar la capa pictórica o para pintar. De hecho, muchos pintores desde el siglo XIX han preferido la espátula al pincel para distribuir y trabajar el color sobre la tela.

Tiene diversas formas y generalmente es de acero. Suelen utilizarse dos tipos de espátulas de acero templado:

Espátulas para paleta.

Para mezclar colores en la plancha o en la paleta. Tienen hojas delgadas y blandas, de 10 a 15 cm. de longitud, con puntas afiladas y redondeadas, y de forma recta o angular. Las angulares sirven para eliminar los grumos de pintura.

Espátulas para pintar.

 De hojas finas, delicadas y muy sensibles, a veces soldadas a mangos largos; se usan para los procesos directos de pintura: aplicación y manipulación de la pintura en el lienzo. Se fabrican en multitud de formas, estilos y tamaños. La historia no registra un uso muy extendido de estos instrumentos antes de mediados —o finales— del siglo XIX.

Aunque existe una clara distinción entre la espátula para paleta y la espátula para pintar, ambas se denominan genéricamente espátulas, y la técnica se conoce simplemente como pintura con espátula.

Fuente: Universal Art  

ARTE ABSTRACTO - ABSTRACCIÓN

 

Arte abstracto

El arte abstracto es un movimiento artístico que surgió alrededor de 1910 y cuyo propósito es prescindir de todos los elementos figurativos, para así concentrar la fuerza expresiva en formas y colores sin ninguna relación con la realidad visual.

Pintura abstracta

En la pintura abstracta, la obra de arte se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza y, como consecuencia, ya no se representa hombres, paisajes, casas o flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad interior. Una de las características principales de la pintura abstracta es el uso de un lenguaje sin forma y la libertad cromática.

Expresionismo abstracto

El expresionismo abstracto es el primero de los grandes movimientos artísticos de la posguerra. Es, de hecho, la trayectoria que siguió la pintura abstracta a partir de los años 1940 en Europa y en América. Tiene sus raíces en el surrealismo , el movimiento más importante del periodo preguerra. En este nuevo estilo, también denominado “informalismo”, un grupo de artistas llamados “pintores de la materia”, intentaron establecer una variante del collage. Mediante mezclas de arena, yeso y otros materiales, consiguieron dotar de una rugosidad tridimensional (propia de la escultura) a una tela plana.

Otro grupo de artistas relacionados con el expresionismo abstracto son los denominados “tachistas” (de tache, mancha). Ellos creían en el poder surgido de las manchas. Se dieron cuenta que con manchas y pastas nuevas era posible representar la textura de la materia.
El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones.
Este lenguaje se ha elaborado a partir de las experiencias fauvistas y expresionistas, que exaltan la fuerza del color y desembocan en la llamada abstracción lírica o informalismo, o bien a partir de la estructuración cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones geométricas y constructivas.

Abstracción

Es la representación de ideas, conceptos, pensamientos y sentimientos en donde la función de la imagen es restituir la impresión visual de algo real, con mayor o menor grado de realidad reproductiva.
También es la representación artística de personas o cosas de manera abstracta, tomando sus características esenciales y no su forma real.

Las formas abstractas son formas puras, sin posible identificación con imágenes ya existentes, son creadas por la imaginación y la fantasía del artista, también se les llama no figurativas.
La representación de estas obras es libre ya que no representan algún elemento del mundo natural o artificial.

Características de la abstracción.

Pocos elementos.
Utilización de mezclas.
Mínimo en detalle.
Simplificación.
Rompe proporciones.
Utiliza formas geométricas.

COLORES, MEZCLAS, COMBINACIONES

La pintura no se podrá aprender jamás memorizando lo que se lee, nada más lejos de la realidad: si quieres llegar a pintar no tendrás más remedio que llevar a la práctica los consejos que recibas, combinando colores y viendo el comportamiento de dichas combinaciones, viendo los diferentes matices que adquirirá un mismo color, etc...
En el estudio de los colores que te ofrezco aquí abajo, encontrarás para cada uno de ellos unas recomendaciones que te serán muy útiles cuando tengas que trabajar con ese color concreto, fíjate bien en ellas y sobre todo procura practicar con ellos para llegar a comprender cómo funciona cada color. Debes tener en cuenta que nadie podrá decirte nunca el comportamiento exacto y el resultado de una mezcla; sólo la práctica te hará conocer cada color.




* * BLANCO DE TITANIO

(En pintura al óleo existen tres clases de BLANCO: el de plata, el de zinc y el de titanio).

  *Blanco de plata: es más opaco, tiene más cubriente y seca más rápido; nos permitirá pintar de una manera más texturizada pero tiene la desventaja de provocar en algunas circunstancias, agrietamientos o cuarteamiento.
  *Blanco de zinc: es el más transparente y fluido de los tres, pero tiene un secado muy lento que podría influir en la ejecución de una obra.
  *Blanco de titanio: tiene una composición intermedia, que le hace ser más usado que los anteriores.
  El blanco es muy usado en cualquier tipo de pintura opaca como el óleo o la témpera pues interviene en una gran parte de las mezclas, es por ello que se recomiendan que los tubos sean de un tamaño mucho mayor que cualquier otro color.

** AMARILLO CADMIO LIMÓN 

(Es el color más claro del grupo de los amarillos, siendo además el AMARILLO BÁSICO PRIMARIO y con una calidad fría, teniendo además una ligera tendencia verdosa).

  -Hay que tener en cuenta que es un color opaco que restará transparencia en las mezclas y además tiene un secado bastante lento.
  -Al mezclarlo con blanco (para aclararlo) presentará unos tonos muy limitados y bastante apagados.
  -Si mezclamos este amarillo con blanco, ocre y rojo podremos obtener una gama muy extensa y bonita de COLORES CARNE.
  -Mezclado con los rojos, obtendremos unos naranjas brillantes pero habrá que tener muy controlada la adición del rojo porque es muy fácil pasarse; debemos tener en cuenta que un naranja llevará siempre mucho amarillo y una ínfima parte de rojo.
  -Con los azules, el amarillo limón conseguirá una espléndida y luminosa variedad de verdes (claros, brillantes...).

  TENER MUY EN CUENTA QUE:
  *Al mezclar amarillo (sea limón o de cadmio) con los azules cobalto y ultramar, los verdes resultantes serán "agrisados" por ser los azules en cierto modo complementarios de los amarillos y siguiendo por tanto la norma de que "dos complementarios, al mezclarse entre sí darán negro".
  *Como consecuencia de lo anterior, los verdes más auténticos se conseguirán con el amarillo limón mezclado con el azul de Prusia, y con el verde esmeralda.

** AMARILLO CADMIO MEDIO
  

(Si lo comparamos con el limón, es más oscuro y con un matiz claramente anaranjado; se trata de un color bastante opaco y estable a la luz).

  -Para aclararlo deberíamos usar el amarillo limón y el blanco.
  -Por su propia naturaleza conferirá un matiz cálido a todas las mezclas --una tendencia anaranjada--.
  -Si lo mezclamos con rojos restará brillantez a los naranjas obtenidos, especialmente al ser mezclado con carmín de garanza.
  -En las mezclas con azules y con verde esmeralda, comprobaremos que los verdes que obtengamos son mas "parduscos" que con amarillo limón.

  TENER MUY EN CUENTA:
  *Para "iluminar" usaremos amarillo limón, y para "oscurecer, dorar" el cadmio medio.
  *Para lograr verdes claros, brillantes, deberemos usar el limón, mientras que para poder obtener "verdes dorados, vejiga" recurriremos al cadmio medio.

** OCRE AMARILLO 

(Este color aunque pertenece al grupo de los amarillos, es un color de tierra).

  -Se trata de un color "quebrado" que podríamos obtener a base de mucho amarillo, un poco de carmín y casi nada de azul.
  -Es más oscuro que los dos amarillos anteriores y con tendencia claramente dorada.
  -Color muy opaco y bastante estable a la luz.Lo podemos aclarar con cualquiera de los amarillos y blanco.
  -Como color quebrado que es tendrá tendencia a ensuciar los colores en las mezclas, pero así y todo es indispensable usarlo para poder armonizar el entorno.
  -Al mezclarlo con rojo o carmín obtendremos una gama de tierras y sienas que serán de suma importancia en cualquier paleta.
  -Con verde esmeralda y azul de Prusia se obtienen verdes "parduscos" pero luminosos, y con azul cobalto y ultramar los verdes serán pardos y agrisados.

** TIERRA SIENA TOSTADA

(Se trata de un color rojo de tierra, y lo calificamos de "quebrado" al que podremos recomponer con amarillo limón y carmín de garanza mezclados casi a partes iguales y muy poquito de azul de Prusia).

  -Deduciremos de lo anterior que en cualquier mezcla en que intervenga, aportará su parte de amarillo, de carmín y de azul y en consecuencia los colores obtenidos deberán ser necesariamente también "quebrados".
    -Lo podremos aclarar con amarillos, ocre y blanco.
  -Si le añadimos blanco con cuidado obtendremos bonitos colores salmón.
  -También obtendremos una gran riqueza de grises al meclarlo con verde esmeralda y con azules.
  -Al mezclarlo con verde esmeralda (su complementario) dará un "casi negro" muy adecuado para grandes zonas oscuras de vegetación.

  TENER MUY EN CUENTA:
  *Se pueden obtener grises en una gama muy amplia al mezclarlo con azules y añadiendo algo de blanco, grises que serán necesarios para pintar sombras en aquellas zonas que no sean completamente negras.

** TIERRA SOMBRA TOSTADA 

(Como sabemos se trata de un color de tierra, de los más oscuros, y se trata de un color quebrado que podríamos obtener a base de mucho carmín, menos amarillo y un poco de azul).

  -Lo podemos aclarar a base de amarillos, el ocre, el rojo y el blanco.
  -Es muy transparente y tiende al ennegrecimiento, así que deberíamos usarlo en muy pequeñas cantidades.
  -Seca muy rápido y no sería prudente usarlo en capas gruesas

  TENER MUY EN CUENTA:
  *Al mezclarlo con blanco dá un gris tostado muy particular que deberías estudiar.
  *Con amarillo y blanco dará unos particulares verdes oliva amarillentos muy útiles.
  *No deberá faltar en la paleta, por cuanto es imprescindible para obtener "negros", y para romper estridencias, siendo el color fabricante de grises por excelencia.
  *Pero cuidado, porque usado en forma inexperta puede ser un peligro debido a su poder de agrisarlo todo, pero una vez nos familiaricemos con él será imprescindible.
  *Podremos componer con él un NEGRO PERFECTO a base de esta combinación:
      Tierra sombra tostada + carmín + azul de Prusia = NEGRO, al que además le podremos dar otra tendencia azulada o morada, sin más que cambiar las cantidades de cada color que interviene en la mezcla.

** ROJO DE CADMIO 

(Es un color semitransparente y bastante estable a la luz, y es más claro que el carmín de garanza.-Se puede aclarar con amarillos y blanco).

  -Es el color más adecuado cuando queramos representar un rojo claro.
  -Es muy característico el rosa que obtendremos cuando lo rebajemos con blanco.
  -Con él podremos obtener unos bonitos "rojos teja" mezclándolo con los tierra, ocre y siena, y dará unos perfectos naranjas al mezclarlo con los amarillos.

  TENER EN CUENTA:
  *En sus mezclas con verdes y azules, el resultado es muy importante para sombrear.

  *Se obtendrán violetas y morados en sus mezclas con azules, pero tienen tendencia a ser menos limpios que con carmín de garanza.

** CARMÍN DE GARANZA

(El carmín de garanza puede considerarse uno de los colores primarios (básicos), y es un rojo con tendencia azulada, muy transparente y estable a la luz).

  Lo podremos aclarar con amarillos, rojo de cadmio y blanco.Es el más adecuado para representar el rojo oscuro.
  Si lo mezclamos con mucho blanco, produce un rosa muy característico limpio y muy luminoso.
  Si lo mezclamos con los amarillos dará rojos algo anaranjados, más con el de cadmio.
  No deberá faltar en cualquier paleta, como primario que es y por tanto generador de secundarios, terciarios...
  Mezclado con amarillos y algo de blanco, producirá una variada gama de "colores carne", cremas y anaranjados.

  TENER EN CUENTA:
  *Se pueden obtener con él "negros profundos" al mezclarlo con tierra sombra tostada y con verde esmeralda, negros que podremos influenciar dándole una tendencia al carmín, al verde o al pardo sin más que variar las proporciones en las mezclas.
  *Los morados y violetas (en su mezcla con azules y un mínimo de blanco)serán más limpios que con el rojo de cadmio, y serán adecuados para pintar sombras transparentes.
  **Mezclando con azul de Prusia obtendremos un violeta "casi negro", causa sin duda de la ley de complementarios (pues el Prusia tiene algo de verde y éste es complementario del carmín).

** VERDE PERMANENTE
  

(Se le puede definir como un verde claro y luminoso con una tendencia menos azulada que el verde esmeralda.-Color semiopaco con buena resistencia a la luz).

  -Lo aclararemos con amarillos, ocre y blanco; al mezclarlo con mucho blanco nos dará un bonito tono verde pastel bastante limpio y vivo.
  -Al tener algo de tendencia cálida, es generador de verdes amarillos calientes al mezclarlo con ellos.
  -Con ambos rojos generará colores oscuros debido como sabemos a su grado de complementariedad.
  -En todas las mezclas con tierras rojizos, se producirán tierras más tostados.
  -Y con los azules obtendremos "verde-azules" muy oscuros, sobre todo con el Prusia.

** VERDE ESMERALDA

(Es un verde de tendencia azulada que podremos calificar como "terciario", un verde muy frio y muy transparente.-Podremos comprobar su tendencia azulada al mezclarlo con el blanco).

  -Con amarillo limón obtendremos un verde limpio y frío mientras que con el cadmio su tendencia será más cálida.
  -Si lo mezclamos con ocre, obtendremos un verde oliva, y con siena tostada el verde será muy oscuro.
  -Servirá para oscurecer los rojos, hasta el punto de obtener un negro si queremos.
  -Obtendremos un precioso verde al mezclarlo con azul cobalto, mientras que con los otros azules, resultarán verdes oscuros, especialmente con Prusia (también con ultramar).

  TENER EN CUENTA:
  *Es imprescindible en la paleta, tan necesario como cualquiera de los primarios.
  *Obtendremos un verde pálido pero con una gran calidad lumínica si mezclamos verde con blanco y al resultado le añadimos amarillo limón.
  *Y podremos obtener cualquier verde imaginable al mezclarlo con azules y blanco en la proporción correcta, añadiendo al resultado uno de los amarillos.
  *Es el color ideal para participar en las sombras, tanto claras como oscuras, para hacerlas más transparentes.
  *En teoría podría ser el único verde en la paleta, ya que con él podríamos obtener todos los verdes posibles.Claro que para ello hay que dominar la paleta.

** AZUL ULTRAMAR 

(Lo podremos incorporar al grupo de los terciarios; es un azul violáceo con tendencia acarminada, bastante transparente y resistente a la luz).

  -Es ideal para representar el azul oscuro del cielo, por su tendencia violácea.
  -Si lo mezclamos con bastante blanco se obtiene un azul claro caliente y acarminado.
  -Fácilmente se deduce que será ideal para pintar sombras opacas, oscuras.

** AZUL COBALTO 

(Es el auténtico azul, un azul neutro con tendencia más fría que el ultramar y más cálida que el Prusia.Con mucho blanco obtendremos un azul muy luminoso).

  -Sirve para aclarar los otros azules y su potencia de tinte es menos que los otros.
  -Con siena y sombra produce unos colores tierra y vino de gran interés.
  -Ideal para intervenir en cualquier sombra por su tendencia neutra, haciéndolas luminosas y transparentes.
  -Oscurece los rojos, especialmente el garanza.

** AZUL DE PRUSIA

(Es un azul frío con una clara tendencia verdosa, de gran transparencia pero sensible a la luz)

  -Es muy potente en tinción, por lo que hay que tener mucho cuidado en su uso y hacer siempre pruebas aparte porque con facilidad estropearemos una mezcla en cuanto nos pasemos lo más mínimo con él, ya no habrá vuelta atrás.
  -Es muy característico el azul obtenido en su mezcla con blanco.
  -Obtendremos verdes oscuros pero limpios con los amarillos.-Y a medida que añadamos ocre, sienas o sombras el verde será cada vez más profundo pero siempre limpios.
  -Y con los rojos obtendremos unos pseudonegros interesantes.
  -Podremos decir sin duda que aunque es capaz de invadir cualquier otro color, si lo usamos en su medida justa nos procurará muchas satisfacciones por generar unos matices muy transparentes siempre. En definitiva: nunca abusar de él.

** NEGRO 

(Y llegamos al negro, el tan debatido color ¿usarlo?, ¿no usarlo?. Muchos artistas han llegado a desterrarlo de sus paletas y usan como sustituto el Gris de Payne: un gris oscuro muy válido).

  -¿Para qué usar el negro si podremos nosotros fabricarnos "nuestro negro" para cada ocasión?.

  Fíjate en lo siguiente:

  *1/ tierra sombra tostada+carmin garanza+verde esmeralda,

  *2/ tierra sombra tostada+carmin garanza+azul de Prusia,

  *3/ tierra sombra tostada+azules,

  *4/ tierra siena tostada+verdes,

  *5/ verde esmeralda+rojos,etc.......

  -Todas estas mezclas nos producirán unos negros limpios y óptimos para cada ocasión, por ejemplo la oscuridad verde de un árbol frondoso, no se crea con verde más negro, sería un verde esmeralda con siena tostada, e incluso sombra tostada, e incluso(más oscuro aún) con carmin de garanza y tendríamos un verde oscuro creíble y acorde con el entorno.

  Ten siempre en cuenta que en la naturaleza no encontraremos nunca el negro-negro, sino que serán "negros" influenciados por el entorno; se tratará por tanto de ver que tipo de negro necesitamos en cada ocasión, y crearlo a nuestra medida.

 

BASTIDOR Y LIENZO

Una forma de explicar cómo armar un bastidor por nuestra cuenta, en vez de ir a comprar uno ya armado y listo para utilizar es la siguiente:

 1. En la maderera debemos revisar muy bien los listones de madera, las medidas y tipos de madera para encontrar los más rectos, cosa que después no quede arqueado el bastidor. Se compran los listones de acuerdo al tamaño del bastidor que deseamos.

2. La tela puede ser: mezcla de algodón y rayón imprimado, dril de algodón, lona, lienzo de lino, y tela de algodón y yute. Las más comunes son el lino y la lona.

3. Los listones se cortan para que me queden del tamaño deseado, las esquinas se cortan a 45° para que encastren parejo, se pegan con cola de carpintero y se engrampan o clavan. Si el bastidor es grande se le ponen esquineros y travesaños. También queda la opción de comprarlos ya armados y del tamaño deseado.





4. Ya con el bastidor armado, extender la tela y sobre ésta el marco. Se empieza primero por el centro de un lado, se engrampa luego el lado opuesto para tensar la tela. O sea, Norte y Sur, y después Este y Oeste, y así sucesivamente del centro hacia los costados. No la tense demasiado porque después al curarla se reduce 10% apróx.




5. Se prepara la tela para pintar. Se arma una mezcla de: tiza en polvo, cola y látex.  Estos tres en iguales medidas.  Calculan más o menos cuánto les parece que van a utilizar, pero no hagan mucho porque si les sobra y no tienen donde utilizarlo, se endurece y no sirve. También se puede pintar la tela con pintura de pared: latex acrílico satinado.

6. Una vez seco, se lija muy suavemente para emparejarlo. El lienzo queda listo para empezar a crear y pintar.

EL CUBISMO

Los orígenes del Cubismo giran en torno a 1907.  
El Cubismo es un arte mental, se desliga completamente de la interpretación o semejanza con la naturaleza, la obra de arte tiene valor en sí misma, como medio de expresión de ideas. La desvinculación con la naturaleza se consigue a través de la descomposición de la figura en sus partes mínimas, en planos, que serán estudiados en sí mismos y no en la visión global de volumen. Así un objeto puede ser visto desde diferentes puntos de vista, rompiendo con la perspectiva convencional y con la línea de contorno. Desaparecerán las gradaciones de luz y sombra y no se utilizarán los colores de la realidad, apareciendo en las representaciones el blanco y negro. Las formas geométricas invaden las composiciones. Las formas que se observan en la naturaleza se traducirán al lienzo de forma simplificada, en cubos, cilindros, esferas. Nunca cruzaron el umbral de lo abstracto, la forma siempre fue respetada.
Los principales temas serán los retratos y las naturalezas muertas urbanas.

Etapas del Cubismo
Se distinguen diversas fases en el desarrollo del Cubismo.

Cubismo Analítico
caracterizado por la descomposición de la forma y de las figuras en múltiples partes, todas ellas geométricas. El objetivo es examinarlas y ordenarlas por separado. Es el cubismo más puro y el de más difícil comprensión.

Cubismo Sintético
Al Cubismo Analítico le sucede el cubismo sintético, que es la libre reconstitución de la imagen del objeto disuelto. El objeto ya no es analizado y desmembrado en todas sus partes, sino que se resume su fisonomía esencial. La síntesis se realiza resaltando en el lienzo las partes más significativas de la figura que serán vistas por todos sus lados.

Tras la época clásica del cubismo aparecen tres escuelas:

   -la Sección Áurea (o Sección de Oro), que pretenderá llevar las matemáticas a la pintura de manera consciente, tanto en los ritmos como en las proporciones de la descomposición cubista;

   -el orfismo es el cubismo colorista, un tanto evocador de sueños extraños, está muy cerca de la abstracción pura;

   -el purismo de la Bauhaus que reaccionó contra los excesos del cubismo y vuelven a las formas simples y analíticas.

Del cubismo surge una nueva técnica pictórica: el collage, al pegar en los cuadro trozos de realidad que facilitan su lectura, la inventa Picasso. Con el collage la palabra impresa entra a formar parte de la obra de arte. Pero el cubismo es, ante todo, la estética que da el paso definitivo hacia la abstracción pura.

Los cubistas

Pablo Ruiz Picasso (1881-1973) es la gran figura central del cubismo

Georges Braque (1882-1963) es el otro gran creador del cubismo, más intelectual que Picasso.

Juan Gris (1887-1927) es el tercer gran cubista

Fábrica de Horta del Ebro. 1909. Pablo Picasso.

Girasoles. Obra de Jan Hinais.

EL CABALLETE

Para poder pintar, es necesario que contemos con una serie de materiales de pintura, uno de ellos sería el caballete. La función principal de un caballete es sujetar firmemente y en una posición adecuada, el lienzo, tabla u otro soporte para pintar. En la pintura al óleo es casi imprescindible.

Los caballetes pueden ser de diferentes formas, materiales y tamaños. Los más comunes son:

• El Caballete de trípode: Es el más utilizado. Tienen poco peso, se pueden plegar y guardar. Existen diferentes modelos dependiendo de su tamaño y terminación. Casi todos ellos permiten regular la altura y fijar el lienzo, para que podamos trabajar cómodamente.

                              

• El Caballete de estudio: No es el caballete de uso más habitual, lo utilizan los pintores más exigentes. Son mucho más pesados que los de trípode por lo que se utilizan generalmente cuando tenemos un lugar en el que podamos dejarlo fijo. Estos caballetes son mas estables y nos permiten mayor regulación de altura del lienzo. Un caballete de este tipo es una inversión para toda la vida.

                              

• El Caballete de campaña: Se llama así porque se utiliza para pintar en espacios abiertos, por lo que es ligero de peso y de tamaño reducido, su principal problema es que es muy inestable.

                              

• El Caballete de sobremesa: Existen varios modelos, lo emplean sobretodo las personas que no pueden o no quieren pintar de pie, se apoya en una mesa y puedes llegar al lienzo sentado.

                              

LOS PINCELES

Las partes del pincel

Mango Según la calidad del pincel, los mangos son de plástico o madera, para impedir el deterioro por los solventes, los de madera deben de estar barnizados. El largo del mango varia según el uso que se le vaya a dar, para óleo lo ideal es usar mangos  largos o muy largos.
Lo importante del mango es que pueda cogerse cómodamente con la mano.

Grabado En los mangos de madera siempre podemos encontrar un grabado, que según la marca puede indicar el tamaño o número del pincel, la marca, tipo de pelo y/o la serie a la que pertenece.

Férula También conocida como virola. Son el punto de conexión entre el mango de madera y el pelo. Los hay de distintos tipos, según la calidad del pincel. Algunos son de hojalata y llevan una junta de soldadura; otros son de aluminio sin soldadura. Los mejores pinceles tienen una férula inoxidable de latón niquelado sin soldadura.

Haz de pelo Esta es la parte más importante del pincel. En general, son de pelo natural de animal, pero también los hay de filamentos sintéticos. Cada tipo de pelo tiene características propias y son las que marcan la diferencia en los pinceles. Los sintéticos intentan imitar las características del pelo natural; una de sus ventajas es que son más duraderos.

Tipos de pelo

Pelo de marta Kolinsky La marta Kolinsky vive al norte de Siberia y en Mongolia, su cola proporciona el pelo de mejor calidad y larga duración, especialmente para la acuarela ya que tiene un gran poder de absorción, y por su excelente elasticidad que permite que el pelo regrese a su forma original. También se utiliza para trabajos detallados al óleo.

Pelo de marta rojo Este tipo de pelo también ofrece una gran capacidad de absorción de agua y pintura, tiene buena elasticidad y son de larga duración. También se usan para pintar con acuarela, o para pintar detalles al óleo.

Pelo de ardilla Tambien conocido como petit gris. Proporciona un tipo de pelo excelente por su suavidad y capacidad de absorción de agua, adecuado para la acuarela. Sus características le hacen muy apropiado tanto para dar grandes superficies de color
.
Pelo de turón La cola del turón, proporciona un pelo excelente para pintar con acrílico y al óleo, pues tiene gran capacidad de absorción y además es muy resistente al desgaste. Su enorme elasticidad permite que el pelo se mantenga siempre en su forma original. Estas propiedades hacen que sea apropiado para la superposición de finas películas de pintura y para la realización develaduras.

Pelo de oreja de buey Este pelo de obtiene de la parte delantera de las orejas del ganado vacuno. Es de pelo suave, pero al contrario de los otros, es económico. Es razonablemente elástico y muy duradero. Los pinceles de este tipo de pelo pueden utilizarse prácticamente para todo tipo de pintura.

Pelo sabeline Es el pelo de oreja de buey blanco de mejor calidad, tratado y teñido para que sea una imitación de la marta roja.

Pelo de cabra Extraidos del pelo que crece sobre la vértebra espinal de la cabra. Muy utilizado sobre todo para los pinceles de “tipo chino” con férula de caña de pluma de cisne, para técnicas fluidas, cómo la tinta china.

Pelo de lobo Por su suavidad se utiliza para técnicas fluidas y para la aplicación de barnices; muy adecuado para trabajos de acuarela donde se necesita cubrir grandes superficies.

Pelo de cerda Se hace a partir del pelo del cerdo. La región de origen determina la calidad del pincel. Los mejores son de China. La punta del pelo tiene una fisura (punta abierta) que hace más suave la punta. Tiene como características más notables las de proporcionar pinceles de pelo áspero y muy elástico.

Sintéticos En el transcurso de los años se ha estado constantemente intentando desarrollar un tipo de pelo sintético a fin de obtener un pincel de las mismas características, pero de precio más cómodo. Esto se ha conseguido a partir de los años setenta, utilzándose fibras de poliéster de punta muy afilada. Son adecuados para todo tipo de técnicas de pintura

.

Tipos de pinceles

1 De punta redonda: este pincel se elabora sólo a partir de tipos de pelo suave o de poliéster. Los pelos en el centro del pincel son más largos que en el exterior. Es muy utilizado para trabajos finos y de detalle.

2 y 3 Script liners: Se utilizan para pintar líneas largas y delgadas o puntos. Como tienen las cerdas muy largas, sólo pueden manejar pintura muy ligera.

4 Brocha para limpiar o mopa: Se utiliza para matizar y suavizar.

5 Abombado y 6 Abombado grande: Ambos son de pelo de cerda. Los pinceles abombados tienen el borde arquedos creando una particular marca ovalada al final del trazo.

7 Lengua de gato y 8 Lengua de gato grande: Son planos con la punta redondeada. Manejan muy bien la pintura espesa, se utilizan tanto para lograr pequeñas pinceladas, como para cubrir espacios.

9 Cuadrado: o GUSSOW, toma el nombre del pintor alemán, se trata de un pincel plano con un extremo recto. La longitud del pelo y su anchura es similar.

10 Plano y 11 plano ancho: Tienen cerdas más largas que los cuadrados, son más flexibles y pueden hacer líneas moduladas. Son muy fáciles de manejar.

11 Pincel plano en punta: Se usa para hacer detalles.

12 Pincel de abanico: Se utiliza para hacer una transición cromática uniforme. También se utiliza para defuminar.

Limpieza y mantenimiento

Para prolongar la vida útil de un pincel debemos darles buen uso y mantenimiento.
-Lo primero es limpiar los pinceles con un trapo o papel absorbente presionando desde la férula hasta la punta del pelo.
-Luego utilizar el disolvente, esencia de trementina para óleos, agua para acuarelas y acrílicos. Nunca dejar los pinceles de pelo suave con la punta hacia abajo dentro del disolvente.
-Lavarlos a continuación en la palma de la mano con agua templada y jabón.
-Aclararlos con agua limpia y sacudirlos.
-Con los dedos darles la forma original y dejarlos secar horizontalmente y una vez secos guardarlos en un recipiente con los pelos hacia arriba.

IMPRESIONISMO

El Impresionismo es un movimiento pictórico surgido en París, Francia, a mediados del siglo XIX. Pero no fue hasta 1874 que el Impresionismo floreció. Un 15 de abril de ese año, un grupo de pintores quiso desafiar la exposición del Salón Oficial de París realizando una muestra paralela en los salones del fotógrafo Nadar. En total participaron treinta y nueve pintores con más de ciento sesenta y cinco obras. Se presentaron bajo el nombre de "Sociedad Anónima de pintores, escultores y grabadores". Entre ellos había artistas como Édouard Manet, Pierre-Auguste Renoir, Edgar Degas, Camille Pissarro, Alfred Sisley, y Claude Monet, entre otros. Curiosamente fue una obra de este último, el célebre pintor francés Monet, titulada “Impresión: sol naciente” pintada en 1872 la que bautizó esta corriente artística como Impresionismo.

El Impresionismo rompía con las leyes del academicismo, suprimiendo la perspectiva tradicional, la anatomía clásica y el claroscuro. Los autores de este movimiento rechazaron los colores oscuros para buscar la claridad, la transparencia y la luminosidad.

Fueron los pintores del Impresionismo los primeros en poner sus caballetes en plena naturaleza, pues era una fuente de sensaciones puras, de efectos que se convertían en objetos de la pintura. Los artistas del Impresionismo dedicaban un largo período de tiempo al estudio de la técnica pictórica. La plasmación de la luz era trascendental para ellos, ya que creían que los objetos sólo se veían en la medida que la luz incidía. La coloración de las sombras era otro aspecto importante en el Impresionismo.




Obra de Jairo Arenas




Obra de Antonio J. Obrero

Fuente: Artelista.com

COLORES FRÍOS Y COLORES CÁLIDOS

El círculo cromático puede dividirse en dos grupos: colores cálidos y colores fríos. Los amarillo-verdosos, amarillos, naranjas y rojos se consideran colores cálidos, mientras que los verdes, azules y violeta se clasifican entre los fríos. Al dividir los colores en fríos y cálidos nos referimos a cualidades físicas.
Los colores cálidos se proyectan hacia fuera y atraen la atención. Por esta razón, a menudo se usa el rojo en diseño gráfico. Los colores cálidos son fuertes y agresivos, y parecen vibrar dentro de su espacio propio. Por su propia naturaleza los colores cálidos son los cadmios: amarillo cadmio, rojo cadmio y sus derivados. Estos colores muestran el grado máximo de intensidad y dinamismo al ser utilizados puros, es decir, directamente del tubo de pintura.





El frío remite al azul en su máxima saturación. En su estado mas brillante es dominante y fuerte. Los colores fríos nos recuerdan el hielo y la nieve. Los sentimientos generados por los colores fríos azul, verde y verde azulado son opuestos a los generados por los colores cálidos.




El grado de tibieza o frialdad de un color depende en gran medida de cómo se yuxtaponen al ser mezclados.

MEZCLA DE COLOR

Saber mezclar en la paleta los colores de que disponemos no es solamente juntar dos o más pigmentos con el fin de obtener un color determinado sino que además hay que conocer el porqué de esa mezcla y lo que es más importante y difícil, hay que saber como se aclara y se oscurece un color. Se puede pensar que se aclara con blanco y se oscurece con negro y esto estaría totalmente equivocado.  Cualquier color mezclado con blanco o negro"se ensucia" (sobre todo con el negro), así que es muy importante comprender como se puede aclarar u oscurecer un color, sin tener que recurrir al blanco o el negro.
 Efectivamente, si observamos con atención la rueda de colores podemos darnos cuenta de que cada uno de los colores básicos nos están dando la pista sobre el tema de aclarar o de oscurecer un color.

Observemos el AMARILLO

     - En concreto vemos que comenzaría con el blanco, seguida de una mecla de blanco-amarillo-verde, luego vendría un amarillo limón (como sabemos tiene tendencia algo verdosa), a continuación un amarillo como el de cadmio, seguido de un amarillo algo anaranjado, luego un siena con naranja, seguido del siena; para continuar con un rojo pero con tendencia violácea y acabaríamos en un negro (con toque de rojo, carmín de garanza por ejemplo).-Esta gama sería perfecta para pintar un tema amarillo al que le tendríamos que dar lógicamente un montón de sombras (oscuros) y de partes con diferentes luces (claros).

                                                        pasemos al AZUL

    - La imagen prácticamente lo dice todo, la gama empieza con blanco, sigue con mezcla de blanco y azul para irse a un azul claramente verdoso al que luego se le añade más azul hasta terminar en el cobalto, viene luego una mezcla de cobalto y ultramar hasta llegar al ultramar puro, y finalmente el ultramar con carmín de garanza para reforzar el violeta y acabaría con un casi-negro (por ejemplo ultramar+garanza+ un toque de negro).

                                                        vamos con el ROJO

                        

     - La gama sería blanco; blanco+rojo+pizca amarillo (pues daría un rosa algo amarillento); blanco+rojo (rosa más rojizo); rojo más amarillo (un naranja con mucho amarillo);un naranja con menos amarillo; rojo; rojo violáceo; el anterior con algo de negro, para acabar en un casi-negro (ultramar+carmín+negro).

Fuente: deseoaprender.com

TÉCNICAS DE PINTURA AL ÓLEO

A un nivel básico, existen dos tipos de pintura al óleo: las obras cuidadosamente concebidas, que se elaboran trabajosa y lentamente con muchas capas sucesivas de pintura  y la pintura directa donde la pintura es aplicada libremente utilizando capas gruesas de colores que tapan o modifican  lo que haya debajo. La clave de este método es la capacidad de aplicar la pintura rápidamente y con confianza.

También tenemos variedad de modos de ayudarnos a pintar:

- Veladuras. El óleo es un medio excelente para aplicar capas delgadas de pintura transparente, o veladuras. El efecto es totalmente diferente del que se obtendría mezclando dos colores.  La pintura debe estar muy diluida con un medio adecuado, quizá trementina.

- Impasto. La pintura espesa, aplicada masivamente con pincel o espátula, se llama impasto. Esta técnica suele emplearse para crear textura y dar al cuadro una calidad tridimensional.

- Restregado. Se trata de aplicar pintura de manera irregular para que parte de la capa inferior siga viéndose.

- Húmedo sobre húmedo.  Se trata de pintar sobre una capa de pintura aún húmeda, para lograr algún efecto o para  fundir los colores unos con otros. Los colores deben estar mezclados con el mismo medio.

- Frotado.  Pueden crearse efectos de rica textura irregular con la técnica del frotado. Se aplica al lienzo una mancha de color
y se la cubre con una superficie no absorbente, como papel satinado. Se frota el papel y después se quita con cuidado.

                                                                "Tres árboles" óleo sobre lienzo
                                                                          Olga Villa Lerggios

EL BARNIZ FINAL

Una vez terminada la pintura, y totalmente seca, se procede a dar una capa de barniz protector.

Hay que tener en cuenta, no obstante, que el barniz sirve, además de protección, para otros usos. En primer lugar, se puede añadir a los óleos, que se convierten así en más brillantes y sólidos; también se puede utilizar para separar dos capas de color, impidiendo de esta forma que el aceite de la capa superior pase a la inferior.

Como barniz final, se aplica con pinceladas paralelas en dos o tres pasadas ortogonales sobre la pintura, y debe formar al secarse una película protectora transparente. Hay que evitar los barnices duros y oleaginosos, porque amarillean, se vuelven pardos y además son difíciles de eliminar.

                                  Obra de Olga Villa Lerggios